Значение и толкование карт Таро Ренессанса в гадании

{RANDOM_PARAGRAPH=100-400}

Значение и толкование карт Таро Ренессанса

Можно смело сказать, что Таро Ренессанса – аристократичный и изысканный представитель семейства карточных наборов. Автор сосредоточился на эпохе Возрождения и не прогадал, потому что это период, когда в науке и искусстве наблюдался прорыв и формирование новых идеалов. Давайте внимательнее изучим структуру, историю колоды и сами арканы.

История создания колоды

Иллюстрации для Таро Ренессанса рисовал художник Джиорджио Тревисан. Говорят, что он трудился над созданием этих образов не одно десятилетие. И этот факт автоматически становится плюсом данной колоды. Стоит только посмотреть на многие современные творения, при создании которых используется исключительно компьютерная графика. Такие колоды появляются в продаже не по одной каждый год. Здесь же чувствуется глубокий подход автора — все рисунки действительно представляют собой авторские картины, судя по всему, нарисованные акварелью. Соавтором колоды назван Пиетро Аллиго — основатель и главный идейный вдохновитель знаменитого итальянского издательского дома Lo Scrabeo. Именно благодаря Аллиго мир увидел множество потрясающих колод. Не знаю, что именно привнёс Пиетро в Таро Ренессанса, но скорее всего — просто заметил отличного художника и предложил ему реализовать свою идею по созданию колоды карт. Как бы там ни было, колода вышла в свет в 1995 году, а несколько её переизданий (2001, 2005, 2010) говорят о том, что эти карты точно нашли своих поклонников.

Ключевые особенности колоды

Таро Ренессанса можно назвать классической колодой с нетрадиционными сюжетами Младших Арканов. Образы Старших вполне соответствуют классике Уэйта, хотя тоже выглядят несколько иначе, однако основная суть всё равно улавливается. Единственное отличие — Правосудие идёт под номером 8, Сила — 11, как в марселькой и кроулианской системе. Младшие Арканы, само собой, прорисованы. Масти и карты Двора тоже вполне традиционны.

Символизм колоды

Самое первое, что бросается в глаза при просмотре галереи Таро Ренессанса — то, что все действия происходят в эпоху Возрождения. Это можно понять по костюмам персонажей, их действиям, архитектуре, виднеющейся кое-где на задних планах. По сути колода выдержана в едином стиле, что является большим плюсом. Это вам не очередной клон Уэйта, где вместо людей вставлены мордашки кошек. Здесь явно чувствуется глубокая авторская проработка. Никакой дополнительной эзотерической символики на картах нет.

Старшие Арканы

Старшие Арканы Таро Ренессанса имеют свои традиционные названия. Они отражают классические архетипы через призму сознания человека эпохи Возрождения. Давайте рассмотрим несколько из них.

Итак, по привычке начнём с Дурака — Аркана, открывающего колоду. В Таро Ренессанса это усталый шут, который бредёт по пустынной извилистой дороге. В одной руке его палка с фонарём, в другой — дудочка. Одежда Шута рваная и потрёпаная. Где-то в пути он потерял одну сандалию. В шляпу воткнута ложка вместо пера. Сам Шут уже не выглядит молодым и юным, он постарел и стал не нужен Королю, поэтому и вынужден был уйти со двора. Вообще, нулевой Аркан в Таро Ренессанса мне очень напоминает Отшельника. Здесь Шут скорее не глупый и безбашенный, а уже умудрённый опытом, познавший мудрость. Вообще, на мой взгляд, было бы весьма интересно вот такого Шута поставить на Аркан Мир, а на нулевом — показать то, каким он был, начиная этот путь. Но это уже мои личные идеи, художник же увидел по-другому.

Идём дальше. Раз уж мы упомянули Отшельника, давайте посмотрим, каким окажется он в галерее Таро Эпохи Ренессанса. Здесь это старец, который, судя по всему, много лет провёл в заточении в отдалённой пещере где-то в горах. И вот, наконец, он завершил свой период добровольной изоляции и вышел впервые за долгое время под лучи солнца. У него выросла длинная борода, он полностью поседел, зато, наверняка, сумел сделать очень важные выводы, обрёл внутреннюю гармонию и достиг духовного совершенствования.

Очень интересным в Таро Ренессанса мне показался Аркан Колесо Фортуны, точнее здесь он назван более кратко, как у Кроули — просто Фортуна. Мы видим мальчика, который катится с закрытыми глазами на колесе. Судя по его наряду, он — королевский паж. Позади него в небе возвышается Сфинкс, а рядом бежит коварная лиса, которая, как мне кажется, дожидается момента, чтобы как-то напакостить. В этой карте чувствуется та самая неопределённость, когда мы не понимаем, куда нас несёт, но все события оказываются предрешены судьбой.

Теперь давайте посмотрим на Дьявола. В этой колоде он действительно шикарен. Это не какой-то мифический персонаж, а вполне реальный человек. Именно так в моём понимании выглядит искуситель. Чёрный плащ символизирует тайну, неизведанное, обратную сторону вещей. В руках его зелёный змей и мешок, полный золотых монет. Он пристально смотрит прямо нам в глаза, словно приглашая подняться по ступеням таинственной лестницы, объятой огнём. Он будто бы говорит: «Пойдём со мной, там ты найдёшь несметные богатства!».

И напоследок, остановимся на Аркане Вселенная. В Таро Ренессанса мне очень хочется назвать эту карту Вселенной Маленького Принца. Кажется, что этот романтичный юноша оказался в том мире, где сбываются все мечты. Его окружают четыре символа мироздания, вокруг него кружатся звёзды и планеты. Мне кажется, что это — отражение внутреннего мира юноши, его мечты, грёзы, идеи, желания. Во внутреннем мире возможно всё, но и этот мир меняется с течением времени.

Младшие Арканы

Младшие Арканы Таро Ренессанса разделены на привычные масти. Для того, чтобы вы могли представить, как выразил значение карт автор, я предлагаю рассмотреть по одному Аркану каждой масти.

Из Жезлов давайте остановимся на Восьмёрке. Мы видим таинственного человека в красном плаще. Его лицо скрывает капюшон и сумрак. Под покровом ночи, когда весь город спит, он, кажется, собирается постучать жезлом по забору. Зачем он это делает? Быть может, он принёс какие-то важные известия, которые не потерпят до утра? Или у него есть какой-то коварный план, для которого ему придётся разбудить весь город, чтобы под шумок осуществить задуманное? Я не очень поняла значение этой карты, поэтому интересны ваши мнения — поделитесь ими в комментариях. Расскажите, как видите эту карту вы.

Очень необычной мне показалась в Таро Ренессанса Двойка Кубков. Мне кажется, что её рассматривать стоит исключительно ассоциативно. Корабль — это символ того, что в вашу жизнь врывается нечто новое, море и волны — эмоции, чувства, воображение. Два кубка, которые не тонут, а держатся на плаву — знак взаимодействия с кем-то, встречи со второй половиной или человеком, который окажется вместе с вами в этом океане эмоций.

Из Мечей давайте проанализируем Тройку. Здесь всё довольно просто. Раненый Рыцарь лежит на земле. Он потерпел поражение, и пока непонятно, выживет он или нет. На первом плане заливается слезами девушка, поскольку лежащий Рыцарь, судя по всему, её возлюбленный. Сразу понятно, что Аркан будет указывать на душевную боль, переживания, слёзы.

Ещё одна спорная карта, смысл которой я не очень поняла — Семёрка Пентаклей. В Таро Ренессанса на этом Аркане мы видим сельскую девушку, которая сломя голову куда-то несётся. Позади неё находится домик, в котором, судя по всему, она живёт. Небо затянуто мрачными тучами, и кажется, что девушка бежит, чтобы позвать кого-то на помощь. Соотнести этот сюжет с классикой мне не удалось. Может быть, вы разберётесь?

Придворные карты

Теперь переходим к рассмотрению придворных карт. Сразу могу сказать, что все они очень красивы. Подсказки дают детали костюмов, выражение лиц, окружающая обстановка. Сами герои выглядят не статичными, как это бывает во многих колодах, а очень динамичными. Подробно рассматривать каждую карту я не вижу смысла, хочу отметить лишь то, что понравилось в фигурных Арканах лично мне. Очень приглянулся мне улыбающийся пентакль, восседающий на троне Короля этой масти вместо самого правителя. Сам Король с грустным выражением лица коронует эту ехидную монетку. Удивила Королева Мечей, выполненная в розово-фиолетовых тонах — как-то не вяжется у меня характер этой дамы с такой «милотой». Понравилась Королева Кубков, изображённая со спины, в сопровождении придворного карлика. Хорош и Паж Жезлов, которого, несмотря на наряд, так и хочется назвать простым деревенским мужичком.

Особенности толкования карт

Как видите, значения карт Таро Ренессанса, хоть и во многом схожи с классикой, но не повторяют их полностью. Встречаются здесь и сюжеты, которые очень трудно привязать к традиционным трактовкам. Но в целом колода довольно проста и понятна, поэтому при желании, я думаю, вполне можно использовать как прямые, так и перевёрнутые карты.

Для рассмотрения каких вопросов подходит колода?

Таро Ренессанса — универсальная колода, поэтому рассматривать на ней можно абсолютно любые ситуации. Я думаю, в работе она окажется не менее информативной, чем привычный многим Уэйт. Мне кажется, что даже диагностику магического воздействия на этих картах вполне можно проводить — по крайней мере, в общих чертах, без глубокой детализации вопроса. Не знаю, так ли хороша она на психологические расклады, но мне кажется, если вы подружитесь с колодой, то и эти темы она будет щёлкать для вас, как орешки.

Кому подойдут данные карты?

Купить Таро Ренессанса я рекомендую:

Тем, кто не любит компьютерную графику, а предпочитает реально нарисованные изображения
Начинающим тарологам, ищущим что-то простое, но не Уэйта
Коллекционерам
Тем, кому нравятся колоды на тему исторических эпох

Живопись эпохи Возрождения: кратко о раннем периоде

Раннее Возрождение охватывает период продолжительностью 80 лет: с 1420 г. по 1500 г. В это время оно еще не окончательно отходит от прошлых традиций и по-прежнему связано с искусством Средневековья. Однако уже чувствуется дыхание новых тенденций, мастера начинают чаще обращаться к элементам классической древности. В конечном итоге художники полностью бросают средневековый стиль и начинают смело пользоваться лучшими образцами античной культуры. Отметим, что процесс шел довольно медленно, шаг за шагом.

Скрытые символы в картинах мастеров эпохи Возрождения

Некоторые из самых эпических произведений искусства, созданных художниками эпохи Возрождения, были вдохновлены эпизодами и персонажами из Библии.
Хотя многие из этих художественных изображений остаются верными тому, что написано в Библии, были найдены всевозможные скрытые символы на различных картинах.

В «Сотворении Адама» изображен человеческий мозг
Одно из самых знаковых произведений Микеланджело – «Сотворение Адама», фреска на потолке Сикстинской капеллы.
Великий флорентийский художник провел четыре года, работая над потолком Ватиканской капеллы, последние штрихи были сделаны в начале ноября 1512 года.

Сотворение Адама

Традиционно считается, что его Сотворение Адама создано по библейскому эпизоду, в котором Бог вдыхает жизнь в Адама. Но человеческий мозг, хитро спрятанный на картине, дополняет интерпретацию его работы.
Мозг скрыт в образе Бога и оставался незамеченным до 1990 года, когда американский врач Фрэнк Мешбергер описал свое видение в Журнале Американской медицинской ассоциации. Он увидел великолепную иллюстрацию анатомии мозга.

Бог с «облаком мозга» вокруг Него

При ближайшем рассмотрении можно увидеть сильвинскую трещину, которая отделяет лобную долю мозга как от теменной, так и от височной доли.
Разные области мозга представлены потусторонними божественными фигурами, окружающими Бога.

Адам

Сложно ответить на вопрос, действительно ли Микеланджело знал человеческий мозг в таких подробностях. Возможно, он ведь работал над реальными человеческими трупами, чтобы изучить анатомию, но действительно ли он получил возможность задуматься о таких составляющих мозга, как мозжечок или гипофиз?
Глубокое знание областей мозга появилось позднее. Но фактически, Микеланджело продемонстрировал строение мозга языком искусства.
Или все-таки это случайность? Остается вопрос: зачем изображен мозг? Намекает ли художник на то, что Бог – просто выдумка человеческого разума?

В Сикстинской капелле более одного мозга
Среди последних работ, которые Микеланджело сделал для проекта Сикстинской капеллы, была его работа «Бог, разделяющий свет от тьмы».
Микеланджело обычно изображал тела с точностью до совершенства, однако на этой картине Бог, похоже, носит анатомическую аномалию на шее.

Четыре игнуди и два щита или медальона окружают образ Божий в отделении света от тьмы

Было предложено, чтобы Микеланджело добавил скрытое изображение ствола мозга, как с глазами, так и со зрительным нервом.
Детали можно определить, наложив картину Микеланджело на изображение человеческого мозга, сфотографированное снизу.

Сикстинская капелла, фреска Микеланджело

Идея состоит в том, что эти два изображения показывают, как Микеланджело изображает мозг.
Одежда, которую носит Бог, также имеет странный свиток в форме человеческого спинного мозга .

Вопрос: что хотел сказать этим скрытым посланием Микеланджело?
Возможно, «Бог, разделяющий свет от тьмы» был ответом художника на непрекращающиеся трения между религией и наукой, которые были вездесущими в то время.

Летающие тарелки на картинах 15 века?
Другая картина, названная «Мадонна со святым Джованнино» и приписываемая другому флорентийцу, Доменико Гирландайо, на первый взгляд не может показать ничего необычного.
Но при более внимательном рассмотрении картины видно большое пятнышко, нависшее в небе слева от центральной фигуры.
Говорят, что картина, которая написанная между 1449 и 1494 годами, сегодня привлекает толпы туристов во Палаццо Веккьо во Флоренции именно для того, чтобы увидеть это странное пятнышко.

Мадонна со святым Джованнино

Это больше, чем пятнышко. Это напоминает летающую тарелку. И это еще не все: человек на заднем плане, кажется, наблюдает за таинственно выглядящим объектом, излучающим лучи света. Собака рядом с ним явно враждебна злоумышленнику.

Крупный план предполагаемого «НЛО».

Мадонна «целенаправленно» поворачивает спину к парящему предмету, защищая детей от любого вреда, который может от этого получиться.
Ее ореол кажется несколько неясным, возможно, из-за НЛО.

Скрытые образы в «Тайной вечере» Леонардо да Винчи
Первое на что обращают внимание исследователи – полное отсутствие ореолов на этой картине.
В “Тайной вечере” изображен последний ужин Иисуса Христа с учениками – 12 апостолами, как раз перед тем, как его предали.
Возможно, да Винчи хотел показать Христа и учеников, как простых смертных.

“Тайная вечеря”
Но вопрос ореола – не самый главный, который вращается вокруг этой настенной живописи, сделанной с 1494 по 1494 год в миланской церкви Санта-Мария-делле-Грацие.

Утверждают, что на картине скрыто изображение женщины, держащей ребенка. Такое предположение было сделано в 2007 году итальянским ученым Слависой Пески.
Скрытые фигуры обнаруживаются только тогда, когда на картину Да Винчи накладывается зеркальное отражение. Два изображения необходимо дополнительно отрегулировать для их прозрачности, чтобы фигуры появлялись перед зрителем.

Многие поспешили утверждать, что это была фигура Марии Магдалины, другие посчитали двойное изображение слишком размытым, чтобы быть убедительным.
Помимо женщины, кубок также появляется с помощью зеркального отображения. Он появляется перед изображением Иисуса и может означать благословение хлеба и вина, которые положены на ужин. Двое учеников за столом превращаются одновременно в рыцарей.

«Любимый ученик» справа от Иисуса, которого историки искусства называют апостолом Иоанном [25], [26], но в Кодексе да Винчи и других подобных работах речь идет о замаскированной Марии Магдалине.

Другие связывают картину с музыкой, находя гармонии в том, как еда размещена на столе и как расположены руки персонажей. Итальянский музыкант и компьютерный техник Джованни Мария Пала предположил, что в картине осталась целая композиция длиной 40 секунд.
Пала сказал, что композиция «звучит как реквием» и что «она похожа на саундтрек, подчеркивающий силу Иисуса».

Глаза Моны Лизы полны букв и цифр
Споры о Моне Лизе показывают, что секретные коды не ограничиваются только картинами, на которых изображены библейские фигуры.
Самая известная из работ Леонардо да Винчи была тщательно исследована на предмет загадочных сообщений, оставленных там специально.

Мона Лиза

В 2010 году итальянский исследователь Сильвано Винчети сообщил, что он увидел не только загадочную улыбку, когда увеличил фотографии Моны Лизы в высоком разрешении.
Буквенные символы и цифры, в частности буквы LV, по-видимому, встроены в правый глаз женщины, возможно, инициалы собственного имени Да Винчи. Символы, содержащиеся в левом глазу, якобы было сложнее определить, но Винчети заметил буквы CE или только букву B.

Изучив фон, он нашел больше цифр и букв. К ним относятся число 72 или, альтернативно, L2, а на обороте картины – число 149_ с размытым четвертым символом. Одним из объяснений 149 года является то, что да Винчи работал над этим портретом в Милане в течение 1490-х годов, хотя в целом принято считать, что портрет был создан между 1503 и 1506 годами.

Не все с энтузиазмом относятся к усилиям Винчети.
« Открытие »инициалов в глазах Моны Лизы» – это просто «идея сумасшедшего», – пишет Стивен Бэйли в « Телеграфе» . Он также называет Винчети «довольно сенсационным телеведущим».

Государственное образовательное учреждение «Школа № 878»

Южный административный округ города Москвы

в изобразительном искусстве

по мировой художественной культуре

ученицы 7 класса В

ГБОУ «Школа № 878»

Руководитель – учитель МХК Красавин М.Ю.

Москва 2015 год

Ян Ван Эйк «Портрет четы Арнольфини»: прочтение символов………..стр.12

Символика в картине «Весна «Боттичелли»………………………………стр.15

Символика в полотнах Леонардо да Винчи

«Благовещение» и «Мадонна в гроте»…………………………………….стр.17

Символы в гравюре Альбрехта Дюрера «Меланхолия».

Символические автопортреты…………………………………………… стр.21

Иероним Босх «Извлечение камня глупости»…………………………… стр.23

Символы в серии Питера Брейгеля «Семь смертных грехов»…………. стр.26

Список использованной литературы…………………………………… стр.30

• Название- «Символика в изобразительном искусстве Возрождения»

• Руководитель – учитель МХК Красавин Михаил Юрьевич

• Учебный предмет- МХК

• Учебные дисциплины, близкие к теме проекта: ИЗО, ИКТ

• Возраст учащихся, на которых рассчитан проект- 7-11 класс

• Состав проектной группы( Ф.И.О., возраст, класс): Евдокимова Антонина,

• Тип проекта- исследовательский

• Заказчик проекты- ГБОУ ШКОЛА 878

• Тема: Символы в искусстве

• Актуальность: умение дешифровавывать произведения живописи важно для современного человека, так как современное искусство во многом адресует нас к классическим образцам.

• Проблема: Что скрыто в изобразительных символах?

Цель: выявлении символического начала в восприятии мира в эпоху Возрождения

Задачи:- -поиск источников информации: критическая литература, видеоматериалы, живопись, графика.

-изучение отдельных аспектов искусства периода Средневековья и Возрождения;

-изучение стилевых и символических особенностей данного периода;

-изучение творчества отдельных авторов Итальянского и Северного Возрождения;

-изучение методики анализа произведений изобразительного искусства;

-освоение методологии анализа символических кодов искусства как универсального искусствоведческого и культурологического метода;

-исследование отдельных символов в художественных произведениях эпохи Возрождения

Объект (область)исследования -искусство Возрождения

• Предмет ( аспект, отдельная сторона)исследования- Символика в изобразительном искусстве Возрождения

• Рабочая гипотеза: художники, используя средневековые символы, в реалистическом визуальном образе пытались донести до зрителя глубинные смыслы о мироздании, делали человека причастным к решению «вечных вопросов»: как устроен мир, что есть истина, Бог, человек, справедливость, в чём состоит счастье

• Новизна и практическая значимость- создание авторского творческого продукта- статьи- исследования

• Состав проекта реферат-исследование, защитная речь , презентация в программе POWER POINT

• Сроки и этапы. График работ

1.сентябрь-октябрь 2014г.- формирование задания на проект;

2.ноябрь- декабрь 2014г.- поиск литературного, искусствоведческого, визуального материала, формулировка проблемы и поиск путей ее разрешения;

3. декабрь 2014г.- написание реферативной части, защитной речи, выполнение презентации в программе Power Point;

4. январь 2015г.- защита на школьной конференции

• Материально-техническое оснащение: компьютер, принтер, программы Power Point,

1. Алпатов М.В. Художественные проблемы итальянского Возрождения. М., 1976.

2. Апостолос-Каппадона Д. Словарь христианского искусства: справочное издание / Д. Апостолос-Каппадона; пер. с англ. А. Ивановой. – Издательство "Урал Л.Т.Д.", 2000.

3. Арган Дж.К. История итальянского искусства / Дж.К. Арган; пер. с итал. – М.: Издательство "Радуга", 2000.

4. Бернсон Б. Живописцы итальянского Возрождения / Б. Бернсон. – М.: Искусство, 1965.

5. Вазари Д. Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих. Т.1-6.М., 1971.

6. Виппер Б.Р. Итальянский ренессанс XIII-XVI века. В 2-х томах. М., 1977.

7. Данилова И.Е. Искусство средних веков и Возрождения. М., 1984.

8. История Европы: Эпоха возрождения. — Мн.: Харвест, М.: ООО «Издательство ACT», 2000. — 642 с.

по мировой художественной культуре по теме

в изобразительном искусстве Возрождения»

Актуальность исследования . Культура Ренессанса зародилась во второй половине ХIVв. и продолжала своё развитие до ХVI вв., постепенно охватывая страны Европы. Гуманистические ценности Ренессанса, возвращающие к античной культурной традиции, перерабатывающие ее в новом творческом воплощении, актуальны и для нашего времени. Умение дешифровывать символы, заложенные в произведениях искусства важно для современного человека, так как искусство XXI века во многом адресует нас к классическим образцам.

Объект исследования – художественная культура эпохи Возрождения

Предмет исследования – символические изображения в изобразительном искусстве Возрождения.

Цель работы заключается в выявлении символического начала в восприятии мира в эпоху Возрождения.

Поставленная исследовательская цель обусловила решение следующих задач:

-поиск источников информации: критическая литература, видеоматериалы, живопись, графика.

-изучение отдельных аспектов искусства периода Средневековья и Возрождения;

-изучение стилевых и символических особенностей данного периода;

-изучение творчества отдельных авторов Итальянского и Северного Возрождения;

-изучение методики анализа произведений изобразительного искусства;

-исследование отдельных символов в художественных произведениях эпохи Возрождения.

Методология исследования включала приемы сравнительного анализа культуры Средневековья, Возрождения и архаической символики, позволяющие выйти на уровень понимания символических значений различных предметов, а также и глубинного смыслового подтекста произведений изобразительного искусства.

Рабочая гипотеза исследования состояла в том, что художники, используя средневековые символы, в реалистическом визуальном образе пытались донести до зрителя глубинные смыслы о мироздании, делали человека причастным к решению «вечных вопросов»: как устроен мир, что есть истина, Бог, человек, справедливость, в чём состоит счастье?

Художники Ренессанса, комбинируя символы и создавая тем самым "кодовый язык искусства", сплетали в своих произведениях довольно сложные аллегории. Присутствие символики, аллегории и иллюстрации стимулировало дополнительный интерес к содержанию произведения.

Данное исследование на примере картин великих художников раскрывает сущность и глубинный смысл символов того периода в Европе, когда они стали одним из общекультурных принципов в живописи.

В процессе анализа символических кодов было выявлено их родство с архаическими формами: геометрический символизм, символизм Центра Мира, полярная и солярная символика, инициические символы и т.д.

Анализ композиционных особенностей картин также выявил в них с точки элементы архаической геометрической символики. Таковы форма тондо, пирамидальная композиция и т.д..

В работе проанализированы произведения разных мастеров Итальянского и Северного Возрождения, среди которых «Благовещение» и «Мадонна в гроте» Леонардо да Винчи, «Весна» Боттичелли, «Меланхолия» и автопортреты Альбрехта Дюрера, и «Семь смертных грехов» Питера Брейгеля, «Портрет четы Арнольфини» Яна Ван Эйка, «Извлечение камня глупости» Иеронима Босха.

В ходе исследования рабочая гипотеза нашла подтверждение и были сформулированы следующие выводы:

-смысл символа нельзя дешифровать простым усилием рассудка, в него надо «вжиться», а чтобы это сделать – символ необходимо знать;

– изучая символ, мы не только лучше понимаем художника, но и , разгадывая эти увлекательные загадки, становимся сопричастными к происходящему на картине;

-совокупность символических кодов сообщает картине художника мистериальные характеристики, и произведение искусства приближается по своему значению к инициическому ритуалу, т.е. делает зрителя причастным к высшему знанию о мире, человеке, Боге, истине.

– зритель становится в определённом смысле соавтором произведения, прочитывая его глубинные смыслы в соответствии с идеалами своего времени.

Глядя на созданные мастерами эпохи Возрождения картины, мы воспринимаем и оцениваем их с точки зрения человека XXI века. Восхищаясь техникой, композицией, колоритом этих произведений, мы в то же время осознаем, что их подлинный, глубинный смысл остается закрытым для нас.

Произведения художников Ренессанса полны глубокого внутреннего значения и смысла. Загадочна и таинственна символика картин Ван Дейка, Леонардо да Винчи, Сандро Боттичелли и других гениальных мастеров. С помощью тончайших зашифрованных символов живописцы пытаются передать нам основные идеи своих работ.

Цель данной работы: познакомиться со значением символов, которыми широко пользовались художники эпохи Ренессанса и научиться с их помощью раскрывать истинный смысл произведений.

Символизм в искусстве эпохи возрождения: загадочные картины. Ярослава Нестерова

В эпоху Ренессанса в поисках наивысшего идеала и образца для подражания происходит возвращение к античному искусству. Наследницей великого Рима и Греции становится средневековая Италия, а вслед за ней и другие европейские страны. Именно здесь впервые зарождается интерес к великой культуре прошлого и классическим эталонам античной Красоты. Всюду возводятся красивые величественные здания, похожие на великолепные дворцы, их украшают предметы изящного искусства, живопись и настенные росписи, богатейшие антикварные коллекции. На улицах Флоренции и Венеции развивается бурная торговля драгоценной посудой и богатой мебелью, оружием, изысканными ювелирными изделиями, дорогими тканями и коврами ручной работы. Происходит переворот и в философии, которая в противовес закостенелой догматической религии проповедует идеалы гуманизма, человеколюбия, света, добра и радости жизни. Высоко начинают цениться знания и науки. Очагом гуманизма становится прекрасная Флоренция – древняя столица Тосканы. В переводе с латыни Флоренция означает цветущий край. И в самом деле, этот город – прекраснейший цветок Италии, который распустился на заре эпохи Ренессанса и своей божественной красотой озарил весь мир. Недаром это был любимый город Леонардо да Винчи, который все свои картины до конца жизни с гордостью подписывал, как «Леонардо, флорентинец».

Идея мировой гармонии, выражение строгой упорядоченности и беспредельного совершенства мироздания становится одной из главных идей в искусстве эпохи Возрождения. В произведениях Леонардо да Винчи, Рафаэля, Тициана, Донателло, Микеланджело проявляется строгая соразмерность и гармоничность сюжета, обусловленные математически точно выверенными пропорциями. Согласно этой идее, каждое произведение искусства и само мироздание строится посредством гармонии числа и меры, и именно математическая точность и гармоничные пропорции являются основным критерием подлинной Красоты.

Наряду с идеей гармонии в эту эпоху расцветают высокие духовные идеалы, нашедшие свое воплощение в человеке как в совершенном творении и венце Природы. Гармония физической и духовной красоты человека является этим возвышенным идеалом, воспетым мастерами Ренессанса.

Возьмем, к примеру, знаменитое произведение Яна Ван Дейка «Портрет четы Арнольфини». Этот парный портрет настоящая загадка для любознательных исследователей и ценителей искусства. Одни утверждают, что на картине изображено тайное сочетание молодой пары узами брака. Однако большинство исследователей сходятся на том, что перед нами домашняя сцена помолвки или обручения. Принято считать, что на картине изображены Джованни Арнольфини и Джованна Ченами, итальянская чета, проживавшая в 30-х годах пятнадцатого века в Брюгге.

Домашний интерьер таинственен и наполнен предметами, которые выступают на картине как некие мистические символы. Одинокая свеча с оплывшим воском напоминает Всевидящее Око. Эта мельчайшая деталь интерьера вводит нас в волнующий мир Божественности и Тайны.

Художник гениально передает на портрете тончайшие оттенки фактуры. По комнате рассеяны мягкие солнечные блики, мерцающие сквозь полотно волшебным призрачным светом.

Портрет написан с тонким психологизмом, в нем сквозят мягкие лирические ноты, нашедшие отражение в кротком и смиренном облике юной красавицы Джованны. Ее жених, напротив, изображен жестким и расчетливым дельцом, являясь полной противоположностью невесты. Молодые люди на портрете приносят друг другу клятву супружеской верности. Смысл этой сцены подчеркнут сложным рядом загадочных символов. Существует множество толкований, среди которых, например, апельсин указывает на счастье супружеской жизни. Домашние туфли и щенок символизируют супружескую верность. Четки – символ благочестия. Статуэтка св. Маргариты означает благополучные роды. Свеча, горящая в люстре, словно божественный дух освящает таинство совершаемой церемонии. Наконец, зеркало указывает на целомудрие и девственную чистоту невесты.

Но это лишь одна из многочисленных интерпретаций символики изображенных предметов на картине. Что на самом деле хотел изобразить и показать нам художник, до сих пор точно неизвестно. Особенно много споров вызывает круглое зеркало, висящее на стене. Этот один из самых таинственных предметов на картине, отражает, помимо новобрачных еще двух человек. Один из них – сам автор. Над зеркалом помещена надпись на латыни: "Ян ван Эйк был здесь". Возможно, что художник и таинственный незнакомец выступали в качестве свидетелей при брачном обряде.

У самых истоков итальянского Возрождения стоит Алессандро Боттичелли. Нам почти ничего неизвестно о его детстве и юности, поэтому мы опустим биографические моменты жизни великого художника и обратимся к его произведениям, которые также полны загадок и глубокого символизма.

По заказу первого сына Лоренцо Медичи Боттичелли создает две картины – «Рождение Венеры» и «Весна».

«Весна» написана на дереве маслом и темперой. В настоящее время она хранится в галерее Уффици наряду с «Венерой» – вершиной философии неоплатонизма, нашедшей отражение в живописи гениев эпохи Возрождения.

“Весна” Боттичелли – одно из первых в европейской живописи произведений чисто светского содержания. В центре картины – Венера, одетая как знатная флорентийская дама и совсем не похожая на античную богиню. По одну сторону от нее – юная Весна, вся украшенная цветами; по другую – три изящные танцующие грации; повернувшись к ним спиной стоит античный бог Меркурий; наверху парит Амур, с завязанными глазами, готовый поразить одну из граций стрелой.

Эти фигуры по-своему глубоко символичны и полны скрытого смысла. Существует много различных толкований сюжета картины. Главная тема произведения – праздник весны и любви. Боттичелли здесь обращается к мотивам народных сказок. Весна предстает перед нами в образе прекрасной молодой женщины с золотыми волосами в полупрозрачном платье, увитая цветами. Она и лесная фея, и нимфа, и дриада, и русалка из народных сказок.

Отдельные предметы «Весны» также приобретают характер обобщенных поэтических символов. Изображая на картине райский Эдем, Боттичелли исключает из своих картин пространственно-временные категории. Фигуры на картине статичны и неподвижны. Персонажи как будто не замечают друг друга, каждый из них отрешен и углублен в себя. Их объединяет лишь общий ритм, пронизывающий картину.

Что касается сюжета картины, то он основан на одном из поэтических текстов античного поэта Овидия, в котором он описывает, как холодный ветер Зефир, пораженный необычайной красотой девушки и воспылавший к ней страстью, похитил прекрасную нимфу Хлорис, чтобы насильно взять ее в жены. Раскаявшись в своем насилии, он превращает ее во Флору – богиню цветов, и преподносит ей в дар прекрасный сад, похожий на Эдем, в котором царит вечная весна. Этот фрагмент содержит тайный эзотерический смысл, который нашел непосредственное отражение в картине художника. Превращение нимфы в богиню цветов при помощи Граций означает возвращение Души к предвечному духовному состоянию, которому покровительствует бог Меркурий-Гермес-Тот, сопровождая души после смерти и приводя их к райскому Блаженству в потустороннем мире.

Полотно как бы разделено на две части, и в его центре безраздельно царит прекрасная Венера, Богиня Красоты и Любви. Справа Зефир, холодный весенний ветер, коварно настигает нимфу Хлорис. Та сбегает от него и превращается во Флору, Весну. Над Венерой Купидон метит свои стрелы в танцующих Граций.

Сад охраняет Меркурий, простирающий руку, чтобы разогнать облака невежества кадуцеем в виде двух крылатых драконов. Нимфу преследует и пленяет сила Любви, Амура – и оживленная этой божественной Любовью, она рождает прекрасные цветы; таким образом, Хлорис превращается во Флору – или саму Красоту. Зефир в данном случае соответствует самой Судьбе или Кармическому Закону, который подталкивает Душу к воплощению в проявленном мире, изображенному в виде красивого фруктового сада. Х. А. Ливрага так истолковывает эзотерический смысл картины: «Имя Хлорис происходит от белого цвета и символизирует чистую Душу. но также и холод зимы. Семя будет томиться в замерзшей земле, подобно Душе, заключенной в физическом теле и утратившей свою истинную божественную сущность».

Флора – это Весна. Пред нами та же самая Душа, но уже в пору своего духовного расцвета, которая щедро дарит цветы или рассыпает зерна духа. Это Душа человека, пробудившаяся к Духовному Свету Высшей Мудрости.

На другой стороне полотна изображены три изящные Грации, застывшие в танце, которых благословляет сама Венера. Богиня Любви и Красоты находится в центре, словно возвышаясь над Временем и миром вечно преходящих форм; являясь центральным ключевым звеном произведения. Это есть высшая Платоническая Любовь, которая царит над всем проявленным мирозданием.

Перед нами три прелестные Грации: «справа стоит Пульчритудо, или Красота, в центре – Каститас, или Чистота, Целомудрие, а слева – Волюпта, или Наслаждение, Блаженство. Блаженство и Целомудрие соединяются в Красоте, но каждая своим особым образом являет собой Красоту, которая в платоновском понимании представляется одной из форм Блаженства, другая форма которого – Этика. На картине Волюпта смотрит исключительно на Пульчритудо, ведь все красивое дарует своего рода наслаждение, и это одна из возможностей, которые Венера предлагает Душе-Весне» (Х. А. Ливрага).

Сверху в Кастистас метит своей огненной стрелой Купидон-Амур с закрытыми глазами. Амур или Эрос – это воплощение могущественной Силы, которая привела все в мире в бесконечное движение.

Воспламененная этой силой Любви, Грация – Целомудрие поворачивается спиной к миру и с надеждой взирает на Гермеса-Меркурия, бога Мудрости, сведущего в Сокровенных Знаниях и обрядах посвящения в Божественную Мудрость.

Цветущая Душа, Флора или Весна, по замыслу художника, впоследствии отвергает преходящие земные удовольствия и избирает путь целомудрия и духовной чистоты, что приведет ее к смерти того, что проявлено в мире форм, к Высочайшей Мудрости или освобождению Души от перевоплощений, то есть к окончанию цикла рождений и смертей.

Читайте также:

Магия и боги: какая между ними связь

На картине запечатлен таким образом, Великий Цикл, который совершает душа в своих бесчисленных странствиях (или воплощениях) по Земле, где все наполнено красотой, чистотой и любовью. Это символический эквивалент буддийского Колеса Сансары, которое будет вращаться до тех пор, пока просветленная Душа не достигнет конечного порога Нирваны.

Говоря о символизме произведений эпохи Возрождения, нельзя обойти стороной картины самого загадочного художника Ренессанса – Леонардо да Винчи. Какую картину кисти Леонардо мы не возьмем, каждая из них хранит целую россыпь таинственных символов и знаков.

Картина «Благовещение», написанная на дереве маслом и темперой, – одна из самых ранних работ мастера. На первом плане – образы архангела и Марии. Коленопреклоненный архангел держит в руке цветок белой лилии – символ девственной чистоты, целомудрия и добродетели. Он вручает Деве Марии этот цветок, как знак ее добродетели и высокого предназначения. Именно этот символ заключает в себе основную идею картины.

Изобилует символикой написанная юным Леонардо совместно со своим учителем Андреа дель Веррокио картина «Крещение Христа». Символична пальма, предположительно написанная Верроккио и изображенная на заднем плане. Это дерево является символом спасения и райской жизни. Над головой Христа парит белый голубь – символ святого Духа, который нисходит на принявшего обряд крещения. В обряде принимают участие два ангела в нежно-голубых одеждах, означающих цвет неба, мира «горнего».

«Портрет Джиневры де Бенчи», написанный в 1478-1480 годах. Таинственный пейзаж, теряющийся в тумане, в центре – лицо прекрасной молодой женщины на фоне можжевелового куста. По-итальянски можжевельник звучит как ginerpo, что является тонким намеком на имя молодой женщины – Джиневра. Можжевельник – символ добродетели и чистоты. На оборотной стороне картины изображен герб с ветвями лаврового дерева, можжевельника и пальмы, которые дополняют и развивают идею женской добродетели. Наложенные на алый мрамор ветви растений объединены в единый символ, подчеркивающий достоинство дамы, изображенной на портрете. Их объединяет торжественная надпись на латыни: «VIRTEM FORMA DECORAT», что в переводе означает «красота украшает добродетель».

Картина «Мадонна с гвоздикой». На груди юной Девы Марии красивая брошь, символизирующая ее непорочность, целомудрие и нравственную чистоту. Младенец на руках у Мадонны тянется к алой гвоздике. Гвоздика – это символ Страсти Христовой, предрекающий скорую гибель Христа, его крестное распятие. Декоративная ваза в нижнем правом углу картины также как и брошь на груди молодой женщины символизирует добродетель.

Композиция «Поклонение волхвов». Символичны изображения двух деревьев – дуба и пальмы. Как уже было выше сказано, пальма считается символом спасения и райской жизни. Дуб в данном контексте обозначает силу и могущество Христа, силу охраняющую, спасительную, утверждающую в добре и вере. К тому же есть сведения, что якобы крест, на котором был распят Христос, был сделан именно из дуба. Изображая пальму на втором плане, художник показывает, что наш порочный мир скоро будет спасен. А вот дуб, изображенный на первом плане, утверждает силу добродетели Христа, отдавшего душу свою за мир, погрязший во грехе.

Символично полотно «Дама с горностаем». Неслучайно изображение изящного белого зверька. Горностай – символ скромности и чистоты. Имя девушки (Цецилия Галлерани), изображенной на портрете, напоминает греческое «галеэ» – горностай. Цецилия была возлюбленной Лодовико Сфорца, на фамильном гербе которого был также изображен горностай.

«Святой Иероним». В центре картины святой Иероним со львом. За его спиной изображена гора – символ устойчивости и твердости, характеризующая нравственную и духовную силу святого. Художник изображает в руке старца камень – символ наложения им на себя суровой епитимии или наказания.

Одна из наиболее загадочных и символичных картин Леонардо – «Мадонна в скалах». Прекрасен фантастический пейзаж со скалами в легкой туманной дымке и мягкими солнечными бликами, отраженными в зеркальной водной глади. Перед нами уже знакомые символы: брошь на груди Мадонны, скрепляющая светотканную мантию, пальмовый куст, вершины скал, символизирующие духовную силу и прочность, загадочная улыбка ангела, полная скрытого смысла. Мадонна бережно укрывает маленького Иоанна своим плащом, что символизирует надежную защиту и покровительство Высших Сил. Младенец Иоанн ассоциируется с образом Братства Непорочного Зачатия, которое являлось непосредственным заказчиком картины.

«Святая Анна с Марией и младенцем Христом». На этой картине символичен образ ягненка, которого обнимает младенец Христос. Он является символом будущего распятия Христа и великой искупительной жертвы, принесенной им во имя всего человечества.

«Иоанн Креститель (с атрибутами Вакха)». Несмотря на ряд языческих символов (посох и венок) здесь мы видим также немало типичной христианской символики. На заднем плане – изображение оленя символизирует символ души, которая стремится к Богу. На первом плане мы видим цветы – символ надежды. На другой картине «Иоанн Креститель» Предтеча Христа изображен с указующим вверх перстом, что означает скорый приход Мессии.

Каждая картина – поистине это глубокий тончайший символ, таящий в себе нераскрытую тайну и влекущий к себе своей таинственной силой чего-то неизвестного, неведомого и потому такого манящего и привлекательного. Не потому ли даже спустя века мы вновь и вновь пытаемся разгадать эту вечную тайну.

Литература:
Леонардо да Винчи. Минск: Харвест, 2007 г. (Гении мировой живописи).
Х. А. Ливрага «Эзотерический смысл «Весны» Ботичелли».
Новая История(1500-1800), М, Просвещение, 1997 г.

22.10.2010 03:00 АВТОР: Ярослава Нестерова | ПРОСМОТРОВ: 20919

ВНИМАНИЕ:

В связи с тем, что увеличилось количество спама, мы изменили проверку. Для отправки комментария, необходимо после его написания:

1. Поставить галочку напротив слов “Я НЕ РОБОТ”.

2. Откроется окно с заданием. Например: “Выберите все изображения, где есть дорожные знаки”. Щелкаем мышкой по картинкам с дорожными знаками, не меньше трех картинок.

3. Когда выбрали все картинки. Нажимаем “Подтвердить”.

4. Если после этого от вас требуют выбрать что-то на другой картинке, значит, вы не до конца все выбрали на первой.

5. Если все правильно сделали. Нажимаем кнопку “Отправить”.

5 архитектурных шедевров эпохи Возрождения, демонстрирующих элегантность культового стиля

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Особенности архитектуры эпохи Возрождения

Произведения искусства и шедевры архитектуры, относящиеся к эпохе Возрождения, которую еще называют Ренессансом, ориентированы на создание идеальных форм и совершенной красоты. Акцент делался на правильные пропорции, симметрию, которые использовались в классике, многие столетия считавшейся вершиной архитектуры и искусства. Наивысших достижений в этом направлении достигли древнегреческие и древнеримские зодчие, скульпторы и художники.

Примечательно: Эпоха Возрождения пришла в след за «темными» Средними веками, которые подготовили почву, чтобы произошла не обычная смена исторического периода, а кардинальные изменения в сознании людей и их восприятии окружающего мира. Для Ренессанса характерны не простое возвеличивание Бога, а повышенный интерес к человеку, который является центром Вселенной. Как ни странно это звучит, но именно гуманизм предопределил приоритеты в архитектуре, в которой также доминировал человек, вернее сказать пропорции человеческого тела, что привело к идее математического процесса, поспособствовавшего созданию идеальных сооружений.

Работы великих мастеров эпохи Ренессанса зачастую включали классические элементы античности: купола, арки, антаблементы, колонны, строгие прямолинейные формы и симметрию. В некоторых проектах явно просматривались композиционные детали классических ордеров – дорического, ионического и коринфского.

1. Кафедральный собор Святого Петра в Ватикане (Италия)

Фантастической красоты и величия Собор Святого Петра (Basilica di San Pietro) – один из лучших образцов архитектуры эпохи Возрождения. Крупнейшая и одна из самых значимых христианских церквей мира была построена в XVII веке культовыми зодчими, скульпторами и художниками Высокого Возрождения (частично барокко), среди которых можно выделить Джованни Бернини (Giovanni Lorenzo Bernini), Карло Мадерно (Carlo Maderno), Микеланджело (Michelangelo Buonarroti), Донато Браманте (Donato Bramante) и Рафаэля (Raffaello Santi).

Историческое наследие: Памятник архитектуры, который мы можем видеть сейчас, – это последний вариант преобразования Basilica di San Pietro. На этом месте первая романская базилика появилась еще в 4 веке нашей эры при римском императоре Константине. Согласно христианским писаниям здесь покоится тело апостола Петра, принявшего мученическую смерть. Именно здесь последователи Христа над и воздвигли первый алтарь (313 год). С тех пор базилика пережила несколько ремонтов и трансформаций, но к началу 1500 гг. совсем обветшала и требовала полной реконструкции. Первым зодчим, взявшимся за разработку впечатляющего проекта, стал Донато Браманте.

2. Палаццо Медичи Риккарди во Флоренции (Италия)

Палаццо Медичи-Риккарди (Palazzo Medici Riccardi) – первый родовой замок семьи Медичи, который является образцом раннего Ренессанса. Он также считается первым зданием построенном в стиле эпохи Возрождения на территории Флоренции, превратившийся в эталон, который никто так и не решился превзойти. Понадобилось 20 лет, чтобы строгое и величественное снаружи здание, внутри превратилось в изысканный дворец, где до сих пор можно увидеть работы итальянских мастеров – Микеланджело, Донателло, Беноццо Гоццолии Боттичелли и Микелоццо ди Бартоломео, который и спроектировал палаццо для знаменитого семейства.

Конструкционные особенности: Дизайн дворца является ярким примером трехсторонней схемы строительства на трех различных вертикальных высотах. Такая конструкция фасада стала очень популярной в эпоху Возрождения, потому что она символизировала влияние пропорций человеческого тела на архитектуру.

3. Сикстинская капелла в Ватикане (Италия)

Несмотря на то, что Сикстинская капелла (Capilla Sixtina) в Апостольском дворце задумывалась, как оборонительное сооружение и внешне выглядит более чем просто и обыденно, но переступив ее порог сразу понимаешь, почему ее называют «жемчужиной Ватикана» . Преображением капеллы и созданием бессмертного восхитительного образа занимались одни из крупнейших мастеров эпохи Возрождения – Сандро Боттичелли, Доменико Гирландайо, Козимо Роселли и Рафаэль.

Но больше всего пришлось приложить усилий Микеланджело Буонарроти, который хоть и тяготел к скульптуре, но пришлось взяться за создание гигантских размеров фресок на потолке и алтарной стене. Невероятной красоты фрески с Библейскими мотивами не одно столетие вызывали и восхищение, и яростную критику из-за обнаженной натуры, но все же разум восторжествовал и творение великого мастера сохранилось до наших дней.

4. Палаццо Фарнезе в Риме (Италия)

Дворец-особняк для семьи Фарнезе, построенный в 1517 году, часто называют образцом высокой архитектуры эпохи Возрождения. И это неспроста, ведь величественный Palazzo Farnese (он же Палаццо Фарнезе) на протяжении многих веков считается образцом дворцовой архитектуры. Это тот случай, когда лаконичность форм и монументальность впечатляет больше нежели объекты с изобилием декоративных элементов и вычурных деталей.

Одно из красивейших зданий Рима, первоначально было спроектировано Антонио да Сангалло Младшим. А вот завершением его строительства и оформлением занимались самые известные архитекторы и художники эпохи Возрождения – Якопо Бороцци да Виньола, Джакомо делла Порта и, конечно же, Микеланджело.

По сведениям авторов Novate.ru, вот уже более 100 лет Palazzo Farnese – лучший памятник архитектуры и искусства служит в качестве представительской резиденции посольства Франции, поэтому к открытым для туристов достопримечательностям его отнести нельзя. Хотя можно попытаться попасть на один из экскурсионных туров, которые регулярно проводятся, правда, записаться придется заранее.

5. Замок Шамбор в Центр-Валь-де-Луаре (Франция)

Изначально, Замок Шамбор (Château de Chambord) был задуман как охотничий домик для короля Франциска I (годы правления 1515-1547 гг.). Но со временем планы были кардинально пересмотрены и вместо хижины появился огромный замок, который превратился в образец архитектуры французского Ренессанса. Особенно примечательным элементом стала центральная лестница. Ее двойная спираль, или лестница ДНК очень быстро превратилась в культовую дизайнерскую идею, которую разрабатывал сам Леонардо да Винчи.

Несмотря на то, что Замок Шамбор является уникальным памятником архитектуры и образцом экстравагантности, после Французской революции многие предметы мебели, произведения искусства и декора были или разворованы, или проданы. Чуть позже ущерб был возмещен из запасников Лувра и Компьенского замка.

Классические черты и совершенная красота просматривается не только в архитектурных шедеврах эпохи Возрождения европейских стран. Станции метро, построенные в Советском Союзе, например, впечатляют своей уникальностью, волнующим сочетанием пропаганды, искусства и дизайна, не меньше. Хотя некоторые особенности строительства и внедрения в старинные особняки действительно удивляют. А почему так произошло – смотрите в нашем видео

Каждое направление в искусстве и архитектуре оставляет неизгладимый след и достойно если не восхищения, то хотя бы того, чтобы о нем помнили и знали. Хотя если говорить об ар-деко, то этому стилю забвение точно не грозит, ведь от гламура, изысканности и роскоши люди пока не готовы отказаться.

{RANDOM_PARAGRAPH=401-800}
{RANDOM_SECTION=500-3000}